НАВИГАЦИЯ: новостиистория дворца архитекторы и художники залы дворца это интересно справка галерея статьи о Петергофе режим работы дворца и цены полезные ссылки  гостевая книга  архив новостей |
СПРАВКА:
Marly-le-roi — Марли-король, королевский Марли. (Marly в середине XVII века — это небольшая деревушка на левом берегу Сены, расположенная в 12 км от Парижа, в 10 км к северу от Версаля. Это древнее поселение, оно упоминается еще в 676 году в грамотах короля Тьерра III. Происхождение названия местности Marly современные французские топонимисты и этимологи объяснить определенно не могут. На древне-французском слово Marly имело не одно значение: ободок, внутренний край тарелки или блюда, кружево или тюль, с краем, украшенным зубчиками кружев. Название отражает характер местности — она довольно низкая и окаймлена склонами холмов.) Эта резиденция была построена для короля-Солнце Людовика XV. Как сообщает Цен-Симон, еще до того, как обосноваться в Версале, король начал искать уединения и взгляд его упал на Марли: тихое место у воды, у леса, обилие зверей, которых в Версале разогнал шум новостроек. Уже в 1679 году здесь стали строить под руководством Жюля Ардуэн-Монсара королевскую обитель, причем не обычный флигель с двумя крыльями, а 12 маленьких особняков, (как бы символизирующих 12 месяцев), глядевших в реку и окружавших один Большой — установленный на верхней террасе холма и символизировавший Солнце, который и занимал король. Квадратный в плане, он имел два этажа. На первом размещался восьмигранный салон, богато украшенный скульптурой. Он был окружен четырьмя залами. На втором этаже покои размещались по кругу. Дворец украшали картины — их было более 330 и 70 шпалер, изображавших королевские замки, аллегории времен года и стихии, мифологические сюжеты. При Людовике ХУ1 появилась знаменитая сюита Дон Кихота. В остальных павильонах располагались служебные помещения: кухня, кладовые, банный корпус и комнаты отдыха для гостей. Это были квадратные в плане, двухэтажные здания. Их плоские крыши были обнесены балюстрадой с восемью вазами. Между собой они соединялись зеленью. Всюду царили белый мрамор, колонны коринфского ордера и фрески Ле Бренна. Парк, окружавший все эти сооружения был разбит по всем правилам французского регулярного сада.. Вдоль бассейнов (а их было несколько) вытянулись аллеи — “аллея тисов” и “аллеи шаров” и легкие аркады стриженной зелени. В дополнение к растущим в грунте были выставлены многочисленные керамические горшки с цветами. За пределами регулярной части парка были заново насажены леса. В парке было установлено более 150 скульптур (из них более 60 античных) и более 180 ваз. Первостепенная роль в композиции парка отводилась воде. Главные “водные” сооружения расположены были на центральной оси. Наверху (за дворцом) — большой каскад цветного мрамора с 63 ступенями, увенчанный аттиком с тремя маскаронами, извергающими воду, названный “Река” (прообраз нашей “Золотой горы”). Перед дворцом на понижающихся террасах бассейны Трав, Зеркал с двумя фонтанами, Большого фонтана с высоким водометом в центре и Водопой, имеющий форму подковы и расположенный на двух уровнях. В восточной части еще один каскад — “Полевой” из 10 ступеней и 9 водометов. Недалеко был фонтан Муз, окруженный зеленым амфитеатром и скульптурами 9 муз и Аполлона белого мрамора. Король очень любил Марли, к концу жизни проводил в нем все больше и больше времени, гордо заявляя, что такой “дворец фей на всю Европу один”, он часто охотился в огромном парке Марли, который протянулся вдоль Сены на 11 километров. Людовик XIV не жалел денег на содержание своего любимого дворца, и в год его смерти садами в Марли занимались 400 садовников (после его смерти их осталось 6). Но гостить сюда король приглашал только членов семьи и самых близких гостей. После смерти Людовика Х1У потомки пренебрегали этим дворцом. Людовик XV и Людовик редко XVI сюда наведывались. Революционный Конвент постановил перенести отсюда все статуи в сад Тюильри, а знаменитые “Кони Марли” были установлены на въезде на Елисейские поля со стороны площади Согласия (теперь там копии, подлинники — в Лувре). В 1799 году дворец был продан одному предпринимателю, который устроил в нем прядильню, где работало 350 человек. Затем он стал разрушать особняки и землю распродавать. При Наполеоне имение перешло в казну, и было полностью разрушено. В начале 80-х годов ХХ века был открыт Музей-променад. В залах музея рассказывается об истории этих мест, и там же можно познакомиться со знаменитой “машиной Марли”, которой ныне уже нет, но которая исправно качала воду из Сены для парков Марли и Версаля (с 1680 по 1965 годы система колес м насосов поднимала воду на высоту 154 метра выше среднего уровня реки и доставляла 5 760 куб. метров воды в сутки). Эту машину, созданную уроженцем Льежа Реннекеном Суалемом (родственником Поля Суалема, который работал в Петергофе почти 20 лет и руководил созданием многих петергофских каскадов и фонтанов, таких как “Адам”, “Пирамида” и т.д.), считали восьмым чудом света. В музее можно увидеть гравюры с изображением знаменитых Мариинских каскадов, один из которых (“Река”) послужил прообразом Марлинского каскада “Золотая гора”. Сейчас расчищен от завалов “Большой каскад”, находившийся перед дворцом Людовика XV, старинный водопой, на берегу которого установлены копии “Коней Марли”. Возрожден бассейн Большого зеркала, украшенный двумя скульптурными группами Кусту. Специальными плитами отмечено месторасположение центрального павильона. Там, где когда-то взмывали ввысь струи фонтанов и журчала вода каскадов — полянки, заросшие травой. Деревья давно не подстригали, и когда-то прекрасный регулярный парк напоминает лес, в котором гуляют современные парижане и гости Франции. Кафель — от немецкого kachel — изразцы — керамические плитки для облицовки каминов, печей, стен. С тыльной стороны имеют открытую коробку (румпу) для крепления в кладке. С лицевой стороны они могут быть гладкими или рельефными, покрытыми белой или цветной глазурью (майоликовые изразцы) или неглазурованными (терракотовые). Изразцами часто неточно называют облицовочные плитки без румпы на тыльной стороне. Рельефные терракотовые изразцы вскоре стали покрывать прозрачной зеленой глазурью(“муравой”), а со второй половины XVII в. — разноцветными эмалями (белыми, желтыми, зелеными, коричневыми, синими). Изразцы украшались как орнаментальными, так и фигурными изображениями. Изразцовый декор был хорошо известен в России. Достаточно вспомнить фасады многих храмов, украшенных разноцветными изразцами, к примеру, собор Василия Блаженного на Красной площади в Москве. Вторая половина XVII века — это расцвет производства рельефных многоцветных изразцов. Их стали использовать не только для украшения фасадов зданий, но и для облицовки печей в боярских палатах. В XVII веке уже существовали в Москве специальные фабрики по производству декоративных облицовочных плит. Русские изразцы XVII века были большего размера и отличались ярким многоцветием. Специфическими были сюжеты росписей. В Нидерланды облицовочная плитка пришла из стран Средиземноморья в XVI веке. Она изготовлялась во многих городах, в том числе в Роттердаме, Гауде и на севере страны. В жилых комнатах небольших уютных домов бело-синими плитками отделывали плинтусы, панели, части кухонь и спален, почти всегда камины. Это было и гигиенично, и красиво, и занимательно, и даже познавательно, особенно когда применялись плитки на библейские сюжеты. Сюжетно-тематический репертуар изображений на голландских плитках был весьма обширен. В сочетании с разнообразными декоративными элементами на них встречались не только аллегорические и мифологические образы, но и отдельные персонажи жанрового характера, фантастические и реальные пейзажные мотивы. Из Нидерландов плитка широко распространилась по всем странам Европы, но там сформировался совсем иной принцип включения её в интерьер. В Португалии голландская плитка располагалась всюду: на улицах, на стенах церквей и монастырей, в интерьерах дворцов и домов. Во Франции еще в 1670-х годах по указу Людовика XIV был построен Фарфоровый Трианон, наружные стены и крыша которого были облицованы голландскими плитками, а в его интерьерах размещалась коллекция китайского фарфора. В 1695 году в Англии, в Хемптоне создается “дельфтский кабинет”, панели которого были облицованы плитками, выполненными в Дельфте. В первом десятилетии ХУШ века кафельные интерьеры возникают в Германии. В Москве еще в конце 1680 года в известном богатом доме, принадлежавшем одному из образованнейших людей эпохи, князю Василию Голицыну, Петр I мог видеть спальню, облицованную плитками. Голландские плитки были доставлены князю через Архангельск. Из олова делали блюда, тарелки, солонки, перечницы, кружки, стопки, подносы и так далее, т.е. то, что ставилось на стол и не нагревалось до высокой температуры. На “государев обиход” закупалось по несколько сот предметов из олова, из него делали целые температура плавления олова +232 градуса. Во времена, когда в Европе еще не был изобретен сервизы, которыми пользовались только состоятельные люди. В Россию оловянная посуда привозилась из Англии, где уже с начала XVI века существовали особые цеховые объединения оловянщиков. Помимо посуды, в Россию экспортировались и оловянные слитки, из которых делались вещи русскими мастерами-оловянщиками в ремесленных мастерских в Москве. Основным исходным материалом для изготовления оловянной посуды было листовое олово, а излюбленным приемом его обработки — холодная ковка и паяние. Из листа выкраивались и паялись прямые стенки и плоскости форм, гнулись и выковывались их округлые и криволинейные объемы. Затем отдельные элементы спаивались. После спайки швы тщательно заглаживались и шлифовались. Затем изделие обтачивалось на токарном станке, украшалось резцовой гравировкой и рельефным литьем. Использование различных технических приемов позволило делать в XVIII веке совершенные изделия из олова, приближенные к серебряным. Существовал и такой прием отделки, как сочетание олова с золотистым сплавом меди, что напоминало позолоту на серебре. Но уже в середине XVIII века фарфор и серебро стали вытеснять изделия из олова, и они стали преобладать в быту небогатого дворянства, купечества, мещанства, а также в казенных домах: лазаретах, казармах, воспитательных домах. Термин “медные изделия” объединяет предметы из меди, латуни (сплав меди и цинка), бронзы (сплав меди и олова), а также других сплавов, в которые входит медь. В XVI–XVII веках медь покупали на Западе пудами в виде прута, пластин и изделий. С освоением в начале XVIII века рудных богатств Урала развивается отечественное медеплавильное производство, а с середины XVIII века российская медь становится предметом экспорта. Москва, Вологда, Ярославль, Кострома, Холмогоры становятся крупнейшими производителями медной посуды вплоть до начала XX века. Предметы из меди, как и из олова, были очень разнообразны по формам и назначению. Помимо повседневного использования, некоторые предметы из меди предназначались для празднеств, ставились на стол. Их украшали накладным серебром. Для предохранения от окисления они покрывались полудой. Медь издавна считалась магическим материалом. В медной посуде не портилась вода, подвески охраняли от болезней, медные пятаки прикладывали к ушибленному месту. Ендова — деревянная или металлическая утварь для подачи к столу напитков. Ендова представляет собой овальную или круглую в сечении чашу с рыльцем или носиком для слива. Некоторые ендовы имели короткую рукоятку, с помощью которой было удобно держать сосуд с напитком. Они могли быть разных размеров: от вмещавших ведро пива, браги, вина до совсем маленьких, вместимостью в четыреста миллилитров или, как говорили в старину, в “две гривенки”. Металлические ендовы украшались крайне редко, т.к. они никогда не ставились на стол. Хозяйка только подносила их к столу, разливая напитки по чаркам и кубкам, и сразу же уносила. Деревянную ендову могли поставить на середину праздничного стола. Братина — утварь для подачи на стол напитков, которые из неё черпали ковшами, а так же использовали для пития меда, вина и пива. Представляет собой сосуд шарообразной формы на высоком поддоне с широкой горловиной. Изготовлялись преимущественно из металла: меди, олова, серебра, золота, но встречались и деревянные из капа или из целого куска дерева, на них часто делали различные надписи. В древности в братинах вино подавалось и на княжеском пиру. Первое упоминание о братинах, как и о ендовах, относится к 16 веку. Тарелки — первые тарелки в Европе появились во Франции почти 600 лет тому назад и имели четырехугольную форму. В Китае уже в IV веке пользовались фарфоровыми тарелками. На Руси роль тарелок издавна выполняли миски. Их делали из глины, дерева, металла. Довольно долго заменой тарелке служили большие куски хлеба. Обедающий клал на кусок густую пищу — куски рыбы, мяса и т.д. Затем эти хлебные тарелки съедались, а в богатых домах их раздавали нищим. Настоящие, в современном понимании, тарелки, или, как их тогда называли, тарелы, появились на Руси не раньше XVI века. Во всяком случае, ублажая Марину Мнишек, в знак особого уважения, Лжедмитрий I распорядился подать гостям тарелки. Этот факт говорит о том, что еще в XVII веке тарелки не имели широкого распространения и только-только входили в быт наиболее состоятельной части населения. При Алексее Михайловиче подавали по одной тарелке на весь обед. Тарелки изготовлялись разных размеров — от маленьких плоских до больших и глубоких. В крестьянском быту употреблялись деревянные и оловянные тарелки. В царских покоях и в богатых домах России в начале XVIII века пользовались фаянсовыми тарелками, которые привозили из Голландии. На парадный стол подавались фарфоровые, серебряные и золотые. Блюдо — использовалось для подачи на стол кушаний. Обычно было круглой или овальной формы, неглубоким, на невысоком поддоне, с широкими краями, большего, чем тарелка размера. Делались из дерева, глины, фаянса, фарфора, меди, олова серебра, золота. Кроме того, на Руси существовал обычай подносить на блюде гостям чарку с вином, медовухой, пивом, водкой. Конец праздничной трапезы обозначался выносом пустого блюда, накрытого другим блюдом или тканью. На блюде подавали хлеб-соль жениху и невесте. Буфет — от латинского bufetum — блестящий, щегольский стол. Слово это было заимствовано французским языком из средневековой латыни и, прежде всего во Франции, буфетом стали называть особый шкаф, где находилась ценная столовая посуда — фарфоровая и серебряная. В связи с этим буфеты, во-первых, были разделены на несколько отделений сообразно с видом и назначением столовой посуды и приборов, и, во-вторых, были снабжены дверцами и запорами. Нижнюю и верхнюю часть разделял стол с нишей. Уже в XVII веке буфеты приобрели тот вид, который сохранили до наших дней: верхние полки со стеклянными или закрытыми (непрозрачными) дверцами для стеклянной, хрустальной и фарфоровой посуды, выдвижные ящик — для металлических столовых приборов и массивные нижние закрытые полки для тяжелой фарфоровой и металлической посуды. Буфет с этажеркой (открытыми полками) получил название ДРЕССУАР — от франц. — dresser — ставить, устанавливать. В средневековье это была мебель для богатых людей. По нему можно было определить титул хозяина, так как существовал специальный королевский указ, в соответствии с которым дрессуар с двумя полками разрешалось иметь барону, с тремя — графу, с четырьмя — герцогу. С XVIII века буфетом стали называть комнату рядом с кухней, где находился шкаф-буфет с посудой. Эта комната в ряде случаев использовалась для подготовки готовых холодных блюд, для предварительной сервировки и отбора напитков.Остатки мастерских, изготовлявших более десяти веков назад стеклянные украшения, посуду и смальту, были найдены археологами в Киеве, Костроме, Галиче и других городах. В результате монголо-татарского нашествия производство стекла на русских землях почти полностью прекратилось. Какие-то очаги сохранились лишь на Украине и на Новгородских и Псковских землях. В XVII веке по указу Алексея Михайловича был создан дворцовый Измайловский завод, где делалась посуда как из прозрачного стекла с золотой росписью, так и из темного и полубелого стекла, расписанного цветными эмалями. В начале XVIII века в России возникают многочисленные купеческие стекольные заводы, которые во второй половине XIX века почти все оказываются в руках семьи купца Мальцева. Во второй половине XVIII века создается Петербургский императорский “стеклянный и зеркальный” завод. Истоки стеклоделия в Египте и странах Передней Азии относятся к очень далекому времени: оно возникло около 6 тысяч лет тому назад. Но тогда делали только цветное стекло, изделия изготовляли путем прессования. Метод изготовления путем выдувания был открыт древними греками в 5 веке до нашей эры. Уже в Древнем Риме стеклоделие достигло блестящего расцвета, но разрушение гуннами Рима, а позднее крестоносцами Константинополя надолго остановило развитие мирового производства стекла. Были утрачены многие секреты производства стекла, открытые римлянами и византийцами. Их удалось открыть вновь венецианцам. Точно не известно, когда в Венеции возникло производство стекла, но уже в Х–XII веках там делали стеклянные бусы и подделки драгоценных камней из стекла. Вначале мастерские по производству стекла помещались в самой Венеции, но в 1291 году они были перенесены на остров Мурано, находящийся в двух километрах от города, в Адриатическом море. Это было сделано для того, что бы сохранить секрет производства стекла. В XV веке венецианцы еще не знали бесцветного стекла. Оно было слегка окрашено в зеленовато-желтый цвет. Делалось синее, фиолетовое, зеленое, красно-коричневое стекло. Прозрачное стекло в Мурано стали варить лишь в XVII веке. Вплоть до второй половины XVII века венецианское стекло имело очень большой спрос в Европе. Не смотря на все привилегии, которые давались мастерам-стеклоделам, на жестокие законы, запрещающие им покидать остров, некоторые из них перебрались в Европу и уже в конце XVII века стекло венецианского типа стали делать в Нидерландах, Германии, Австрии и Франции. Стекло получают из очень доступных материалов. В состав стекла входят: кварцевый песок, сода, известь (так называемая шихта). Для получения стекольной массы необходимо проварить шихту при температуре 1 400–1 600 градусов. Варят стекло в “горшковых печах”, изготовленных из высокоупорной чистой глины, до тех пор, пока стекломасса не станет вязкой и густой. Затем на длинную металлическую трубку мастер набирает так называемую “баночку” стекла и начинает осторожно дуть в трубку, все время вращая её; пузырек стекла растягивается, постепенно превращаясь в сосуд. Иногда для придания определенных очертаний “баночку” опускают в деревянную форму. Готовое изделие ставят в печь для обжига, там оно постепенно охлаждается, температура наружного и внутреннего слоев стекла становится одинаковой. Такое стекло не разлетится на кусочки, когда его вынут из печи. Затем его украшают — гравировкой, росписью золотом или эмалями, филигранью (узором из молочно-белых нитей). Шоф — стеклянный сосуд с высоким четырехгранным туловом и коротким горлышком, закрывающимся пробкой, предназначался для крепких спиртных напитков. Штофы изготовлялись на разные объемы жидкости. Наиболее часто встречающимся был штоф “осьмериковый”, равный двум бутылкам или 16 чаркам, и “десятириковый”, содержащий полторы бутылки или 12 чарок, соответственно 1/8 и 1/10 ведра. Штоф, кроме того, использовался и как мера ёмкости (старинная единица измерения объемы жидкости) и равнялся 1,23 литра, что соответствовало 10 чаркам. Фарфор: история создания, распространение в Европе, появление в России. В Европе фарфор называли порцелином. Это слово произошло от итальянского “porcellino”, что значит поросенок или свинушка. Своим внешним видом (формой, цветом, блестящей поверхностью) фарфоровые черепки напоминали вынутые из воды морские раковины, очень похожие на маленьких бело-розовых поросят. Слово “фарфор” появилось в русском языке в середине XVIII века. О его происхождении существуют различные суждения. Вероятнее всего оно произошло от арабского слова “фахфури”, что значит императорский, — так называли на Востоке лучший по качеству фарфор, предназначавшийся для царствующих особ. Широкое проникновение фарфора в Европу началось сравнительно поздно — в 1508 году его привезли португальские купцы, в то время, как в Индии и на Арабском Востоке он был известен давно. Однако самые первые фарфоровые изделия появились в Европе благодаря арабским торговцам еще в XI веке под названием “мартабани”. Европейцы особенно ценили “селадоны” — толстостенные сосуды, покрытые глазурью зеленоватого цвета. Считалось, что эта посуда меняет свой цвет, если в пищу подсыпан яд. Более тысячи лет китайцы хранили секрет производства фарфора. А его состав оказался довольно простым. Основным компонентом является белая чистая глина каолин, к которой добавляют в определенных пропорциях кварц, измельченный в порошок, и алебастр. Сформованные из этой массы изделия подвергаются слабому первоначальному обжигу при температуре 600–900 градусов, и получается бисквит — шершавые белые, без глянцевого блеска изделия. Затем их покрывают тонким слоем глазури для того, чтобы появился красивый блеск (глазурь — прозрачное защитно-декоративное стекловидное покрытие для гончарных изделий и фарфора. Наносится непосредственно путем погружения готового изделия в соответствующий раствор или кистью). После глазурования происходит второй обжиг при температуре 1400–1800 градусов. Глазурь соединяется с бисквитом и получается белое просвечивающее гладкое изделие. Затем к работе приступают художники. Они используют специальные огнеупорные краски, которые представляют собой смесь легкоплавкого мелко размолотого стекла и красящего вещества, получаемого из различных металлов, их солей и окислов или руд. Краски наносятся тонким слоем на совсем готовое глазурованное изделие. Расписанный фарфор слегка просушивается и обжигается снова, уже в третий раз, в особой муфельной печи (муфели — особые глиняные ящики, куда ставили изделия из фарфора так, чтобы “жар огня между муфелем и печными стенками кругом ходить мог”) при температуре 600–900 градусов. Д. И. Виноградов сумел получить краски десяти цветов. Особое место в украшении фарфора занимает кобальт. Из кобальтовой руды получают краску синего цвета всевозможных оттенков, от нежно-голубого до глубокого темного, почти черного. Это единственная краска, которая выдерживает температуру второго большого обжига, а, следовательно, может наноситься на поверхность изделий до их глазурования. Подглазурная же роспись вечная. Прозрачный стекловидный слой глазури поверх красивой синей краски дает богатейший декоративный эффект. Родина фарфора — Китай. Китай по-английски China — Чайна — что означает также и фарфор. Можно сказать, что фарфор является вершиной традиционного прикладного искусства Китая. Китайские ученые считают, что история фарфора насчитывает более 3000 лет, он появился в эпохи Шан и Чжоу. 1 800 лет тому назад во времена Восточной Хань уже создавались совершенные фарфоровые изделия. Начало массового производства фарфора относится примерно к VI–VII веку, когда путем совершенствования технологий и подбора исходных компонентов стали получать изделия, отличающиеся белизной и тонкостью черепка. Большие успехи в изготовлении изделий из фарфора были сделаны в X–XII веках. Уже начиная с 1004 года, центром производства фарфора становится город Цзиндэчжэнь, где делали изделия для императорского двора. Фарфоровые изделия из Цзиндэчжэня отличались высоким качеством. Молва гласит, что они были ослепительны, как снег, тонки, как лист бумаги, прочны, как металл. Эти изделия отличались изысканной формой и красивой расцветкой. Каждая расцветка имела особое название. Первые фарфоровые изделия эпохи Мин (XIV–XVII века) были чисто белыми, без художественной росписи, лишь слегка покрытые глазурью. Затем для росписи начинают использовать сине-голубую краску, которую привозили с Явы и Суматры. Ранние минские изделия с подглазурной росписью кобальтом отличались светлым серо-голубым оттенком, чаще всего в росписи использовался растительный орнамент. В начале XV века одновременно с кобальтом начинает употребляться красная краска естественного происхождения. С середины XVI века очень распространенным стал метод украшения, известный под названием “доуцай” (соперничающие краски) — сочетание подглазурного кобальта с пестрыми эмалевыми красками. Для минской эпохи характерно изобретение новых видов цветной глазури и эмалевых красок, которые нашли широкое применение в фарфоровом производстве. Необычного искусства достигли китайские мастера художественной росписи по фарфору. Их краскам свойственны прочность и чистота. Рисунки по фарфору, особенно те, в которых воссоздана природа Китая, его флора, очень жизненны. Художники любили рисовать розы, пионы, лотосы, хризантемы, орхидеи, ветви цветущей сливы или вишни, стебли бамбука. В эпоху Цин (XVII - XX века) продолжалось производство всех ранее существовавших видов фарфора. Самым блестящим периодом в развитии фарфора эпохи Цин является XVIII век, когда по всему Китаю работали сотни мастерских. Богатством и разнообразием отличалась глазурь, которой покрывались изделия. В это время предпочтение отдавалось монохромной глазури. До сих пор большой популярностью пользуются сосуды и вазы, покрытые т. н. “пламенеющей” глазурью и глазурью “цвета бычьей крови”. К XVIII веку относится изобретение розовой эмалевой краски, которая начинает употребляться в сочетании с эмалью других цветов. В Европе, в зависимости от цвета преобладающей эмалевой краски или глазури, фарфор стал подразделяться на желтый, розовый, черный и зеленый. В это время фарфоровые изделия отличались многообразием форм, появилось большое количество статуэток. Изделия из фарфора не только шли на внутренний рынок, но и превратились в одну из главных статей экспорта. С расширением китайско-европейских отношений в китайском искусстве появляется “европейщина”. Её расцвет приходится на правление Цянь Ли (сер. XVIII в.), когда при дворе работала целая группа европейских художников и на китайском фарфоре (и эмалях) можно встретить изображения европейцев. В конце XIX века в фарфоровом производстве стал наблюдаться упадок. В настоящее время проделана большая работа по восстановлению утраченных рецептов красителей и способов обжига. Современные высококачественные фарфоровые изделия свидетельствуют о продолжении лучших традиций прошлого. В 1616 году в городке Арита, что в 800 милях от Токио, началась история японского фарфора, принесшего в мир роспись красочную и многоцветную. В сравнении с китайцами, работавшими, в основном, в двухцветной сдержанной гамме, это были изделия, расписанные подглазурным кобальтом и надглазурной железной краской, которые давали сочетания различных вариаций синего и красного цветов с добавлением позолоты. Отдельные мелкие детали росписи исполнялись полихромными эмалями: зеленой, желтой, цвета “баклажан”. Особенно популярным был полихромный узор с обязательным включением оранжево-красного, напоминающего цвет японской хурмы. В мотивах декора, как и в росписях китайского фарфора, преобладали изображения “цветов и птиц”, которые позволяли полнее выявить декоративные возможности росписи, часто встречались летящие бабочки. Изделия, выходившие из мастерских Арита, через порт Имари доставлялись в Европу, и отсюда пошло их двойное название — фарфор Арита или Имари. Считается, что в 1600 году, вернувшись из военного похода в Корею, японцы привезли с собой корейских мастеров фарфора, и так появился японский фарфор. Но японцев не устраивали рисунки корейцев, и они создают свои росписи. Первыми приборами, по которым определяли время, были солнечные часы. Появились они в глубокой древности, вероятнее всего, в Египте, хотя некоторые ученые считают, что в Китае, и представляли собой тогда простой прут-гномон, воткнутый в землю; тень от него и указывала время. (Гномон — от греч. gnomon — указатель перемещения солнца, стрелка солнечных часов). Гномоника — наука о солнечных часах, получила распространение в XV–XVII веках. В средневековой Европе христианство способствовало распространению солнечных часов, прежде всего стационарных, которые устанавливались на соборах. Были настенные вертикальные солнечные часы, и переносные, которые изготавливали из ценных пород дерева, слоновой кости или бронзы, зеркальные солнечные часы и кольцевые. Но при всей своей гениальной простоте солнечные часы имели существенный недостаток: могли “ходить” только на улице и лишь на освещенной солнцем стороне. Появляются “водяные” часы, их называли клепсидами (klepto — брать, udor — вода — с греч.). В Китае, например, ими пользовались 4,5 тыс. лет назад. Кстати, первый будильник на земле тоже был водяным — и будильником и школьным звонком одновременно. Его изобретателем считают древнегреческого философа Платона. Прибор служил для созыва учеников на занятия и состоял из двух сосудов. В верхний наливали воду, и оттуда она понемногу выливалась в нижний, вытесняя из него воздух. Воздух по трубочке устремлялся к флейте, и она начинала звучать. С XIII века появились огневые (свечные) часы. Самое раннее упоминание о песочных часах относится к 1339 году (в Париже). Все они имели искусственный эталон единицы времени в виде его интервала, необходимого для вытекания или сгорания определенного количества вещества. Были солнечные часы, единица времени для которых выводилась из вращения Земли и её движения вокруг Солнца, а для звездных — из видимого движения звезд. Необходимость проведения богослужений в определенные часы привела в тому, что к концу XIV века в большинстве европейских стран вместо истинного солнечного времени, ориентиром для которого был восход и заход солнца, было принято среднее солнечное время, когда сутки делились на половины по 12 часов. Тогда же появились и первые “колесные” механические часы, в основном башенные, которые устанавливались в крупных монастырях и кафедральных соборах. Кто же первым изобрел механические часы? Они упоминаются в древних византийских книгах IX века. Другие источники указывают на монаха Герберта, ставшего впоследствии Папой Римским Сильвестром Вторым (950–1003 г. г.). Именно он ввел в Европе “арапские” цифры. Доподлинно известно, что талантливый механик-самоучка Герберт соорудил башенные часы для города Магдебурга в 996 году. В 1228 году были созданы башенные часы для Вестминстерского аббатства, в 1300 году они появились во Флоренции, в1314 году — в Каннах, в 1352 — в Страсбурге, в 1370 — в Париже, в 1410 — в Праге. В России первые башенные часы установил в 1404 году тоже монах Лазарь Сербин. Эти часы были очень велики. В 1471 году астроном и математик Решомонтан впервые применил гири. Первые переносные механические часы, по всей вероятности, изготовил около 1510 слесарь Петр Генлейн, когда он заменил гирю плоской стальной пружиной, благодаря чему часы стали более удобными и безотказными. В XV веке часы становятся предметом домашнего обихода. Первоначально изготовлялись только настенные и настольные часы, позже стали делать напольные. В то же время стали производить индивидуальные механические часы, но до середины XVIII века они были большой редкостью. В XVII веке часы становятся модными аксессуарами знати и богатых горожан. Голландский мастер Гюйгенс создал несколько часов повышенной точности в середине XVII века. В 1641 г. Галилео Галилей сконструировал маятниковые часы для использования их в навигации, после его смерти их усовершенствовал его сын. В 60-х годах XVIII века швейцарец Абрахам Луи Бреге создает первые карманные часы. В 1775 году он открывает в Париже собственный часовой магазин. “Брегеты” были по карману только очень богатым людям. Л. Брегет изобрел не требующий смазки анкерный механизм. В 1790 г. он изготовил первые противоударные часы, в 1798 г. часах появляется секундная стрелка, затем он снабжает их вечным календарем. Маркетри — от фр. Maqrqueteri — вид мозаики из фигурных пластинок фанеры, различной по цвету и текстуре, которые наклеиваются на основу. Наивысшего расцвета эта техника достигла в XVII–XVIII веках во Франции и в Германии. Интарсия — от ит. Intarsio — инкрустация. Вид инкрустации на деревянных предметах (мебели, панно): фигурные изображения или узоры из пластинок дерева, разных по текстуре и цвету, врезанных в поверхность деревянного предмета. Наивысшего расцвета интарсия достигла в Италии в XV веке. Эмаль (фр. Email, франк. Smeltan — плавить) — стекловидное покрытие поверхности металлических или керамических изделий. Эмаль может быть прозрачной, белой и окрашенной (обычно окислами тяжелых металлов) в разные цвета. Техника эмали может быть холодной (без обжига) или горячей, при которой окрашенная окислами металлов пастозная масса наносится на специально обработанную поверхность и подвергается обжигу, в результате чего появляется стекловидный (обычно цветной) слой. Эмали различаются по способу нанесения и закрепления на поверхности материала: Эмалью называют и непрозрачную глазурь на керамических изделиях. Натюрморт — с фр. Nature morte — мертвая натура — жанр изобразительного искусства, который посвящен изображению неживых предметов — вещей домашнего обихода, цветов, фруктов, овощей, снеди и т.д. Впервые термин “натюрморт” появился в середине XVIII века, когда Дидро употребил его в письме о художнике Шардене. Голландцы использовали другой термин stil leven (“штиль левен”) — тихая жизнь. В самом названии нашла отражение трепетная любовь голландских художников к прекрасному миру вещей. Этот термин впервые документально зарегистрирован в 1650 г. и вошел к употреблению только к концу XVII века. Распространение этого жанра началось со второй половины XVI века в творчестве нидерландских художников. У них даже существовала специализация художников по городам: в Гааге — изображали рыб, в Роттердаме — кухонную утварь, в Утрехте — пишут цветы, в Хармме — завтраки, в Амстердаме — роскошные десерты и т. д. В натюрмортах XVII века предметы расставлялись в строгом порядке, словно экспонаты в музейной витрине и многие вещи были наделены символическим значением: яблоки — напоминают о грехопадении Адама, виноград — об искупительной жертве Христа, увядшие цветы — символ смерти, бабочка — означает воскресение и т. д. Портрет — один из самых ранних жанров живописи, он насчитывает несколько тысячелетий, начиная со времен античности. Существовало несколько типов портрета: парадный, камерный и интимный. Монархи, вельможи и полководцы отдавали предпочтение парадному портрету: их изображали обычно в полный рост и во всем блеске занимаемого им общественного положения. Основной принцип парадного портрета — идеализация модели. Понять, что за человек скрывается за блестящей мишурой парадного портрета, было порой очень трудно. Задача художника, взявшегося за написание интимного портрета — раскрыть внутренний мир личности. Нечто среднее между парадным и интимным портретом представляет собой камерный портрет. Художник демонстрирует некоторые “социальные аксессуары” своей модели, но в то же время старается показать человека, как личность. Марина (от лат. Marinus — морской) — морской пейзаж. Первые марины, как самостоятельный жанр, появляются в Нидерландской живописи в XVI веке. Основателем считается художник Брейгель. Расцвет жанра произошел в голландском искусстве в XVII в. Комод — от фр. Commode — “удобный” и действительно, по понятиям людей того времени, эта форма мебели была олицетворением удобства. Комод, как тип мебели ведет свое происхождение от итальянских сундуков — кассоне, от новой формы мебели, появившейся в XVI веке в Италии. Сначала это был выдвижной ящик в одном сундуке, а потом появилась конструкция, где выдвигались 4–6 ящиков и, соответственно, увеличивалась вместимость. Такую мебель итальянцы называли касетоне. Во Франции в 1700 году эту конструкцию назвали commodе. В эпоху Людовика XV комод, изящный по линиям, нарядный, приподнятый на высокие ножки, становится одной из излюбленных форм мебели. Шкаф — как предмет домашнего обихода, появляется лишь в начале второго тысячелетия (в раннем средневековье). В греческих и римских домах их практически не было. Они относились к предметам обстановки лавок, что известно по многочисленным изображениям. Начиная с XIII века, шкаф занимает все большее место в убранстве замков и домов богатых горожан. Шкаф того времени был по существу перевернутый на бок сундук. Известны самые разнообразные формы шкафов. На севере Европы они имели большие дверки, которые занимали всю переднюю часть, и их можно было широко открывать. На юге они были многоэтажными и имели четыре, а то и более маленьких дверок. Были в моде двухъярусные шкафы, которые своим видом напоминали установленные друг на друга сундуки. Кровать — египтяне впервые отказались от лежания на открытом для сквозняков грязном полу и создали первую форму ложа. Кровать с балдахином является ассиро-вавилонским наследием. Известный из Библии вавилонский полководец Олофен, убитый Юдифью, спал в кровати с колонами и балдахином. Уже в 2000 г. до н.э. вавилоняне широко использовали текстиль для отделки мебели, в том числе пышных балдахинов над кроватью. Богато драпировалась кровать и у древних римлян. Большое значение приобретает кровать в эпоху средневековья. Начиная с XII века, стали применять кровати с балдахином, которые укрепляли сознание безопасности. Драпировка прикреплялась к потолочной балке или на специальный каркас. Кровать могла иметь полубалдахин, полный балдахин или большой, наподобие шкафа деревянный каркас. Пологи служили защитой от холода в плохо обогреваемых помещениях. В эпоху барокко кровать становится наиболее убранным предметом мебели. Она постепенно приобретает форму некоего шатра, сооруженного из пышных занавесей или драпировок, почти полностью скрывающих деревянные элементы. Зеркало — появилось очень давно. Римские патрицианки пользовались бронзовыми зеркалами, использовали так же в качестве зеркала выпуклые пластинки из серебра или сплава меди с оловом, но такие зеркала были несовершенны, т. к. они быстро темнели, становились мутными и теряли свой блеск. В Китае с незапамятных времен зеркалами служили отполированные куски обсидиана. Наконец в середине XIII века в Европе научились выдувать сосуды из стекла. Именно тогда появилось первое стеклянное зеркало. В сосуд через трубку мастер вливал расплавленное олово, которое растекалось ровным слоем по поверхности стекла, а когда шар остывал, его разбивали на куски. Первое зеркало было несовершенным: вогнутые осколки слегка искажали изображение, но оно стало ярким и чистым…
В 1500 году, вместо шара, разбитого на куски, появляется плоское зеркало. Оно стоило в два раза дороже полотна Рафаэля того же размера. Секрет изготовления плоских зеркал, купленный у фламандцев венецианскими купцами, хранился в строгом секрете. На острове Мурано братья Андрео Доменико разрезали вдоль горячий цилиндр из стекла и раскатали обе половинки на медной столешнице. Получилось листовое зеркальное полотно, которое в отличие от осколков шара ничего не искажало. Французы усовершенствовали и упростили метод муранских мастеров — теперь расплавленное стекло прямо из плавильного горшка выливали на ровную поверхность и раскатывали. Производство пошло полным ходом, вскоре Галерею зеркал в Версале длиной в 73 метра украсили 306 зеркал. В XII- XIII веках внутреннюю сторону шаров, из которых делали затем зеркала, покрывали сплавом свинца с сурьмой. С XV века этот сплав заменили оловянной фольгой. На фольгу наливали ртуть. Ртуть растворяла олово и, соединяясь с ним, образовывала новый сплав, который хорошо прилипал к стеклу. Чтобы избыток ртути стекал, стекло держали наклонно. Требовался целый месяц, чтобы все стекло покрылось ровным слоем. Изображение на плоском зеркале отличалось хрустальной прозрачностью, чистотой и ничуть не уступало изображению в ручье. Но ртуть — вещество ядовитое, вредное. Да и зеркало получалось темным, т. к. ртуть поглощает очень много света. И вскоре ртуть заменили серебром. На стекло наливают раствор, из которого серебро оседает и покрывает поверхность стекла блестящим налетом. Чтобы зеркало было прочнее, заднюю стенку покрывают краской. Серебряное покрытие делает зеркало намного светлее. У нас производство зеркал было налажено по велению Петра I , при котором на Воробьевых горах возвели “амбар каменный и длинный…в нем плавильная печь сделана из кирпичу белой глины”, где стали изготовлять отечественные зеркала. Затем их стали изготовлять на Ямбургских стекольных заводах. Самое дорогое в мире зеркало хранится в Лувре. Его изготовили венецианские мастера в конце XVI века и подарили французской королеве Марии Медичи. Оно украшено агатами, ониксами и смарагдами, рама его инкрустирована драгоценными камнями. Венецианские зеркальщики проявили такую щедрость в ответ на королевский жест — Медичи заказала в Венеции 119 зеркал для своего зеркального кабинет, заплатив за заказ огромную сумму. В XVII веке зеркальные рамы могли соперничать с ювелирными украшениями. Резали их из самых дорогих пород дерева — палисандра, розового, эбенового, красного, нередко украшали драгоценными камнями. Оправы и ручки для маленьких ручных зеркал делали из серебра, золота, кости, перламутра. С зеркалами связано очень много поверий: считается, что через зеркало души усопших возвращаются домой; если не завесить его после смерти человека, покойник утянет к себе новую жертву; разбитое зеркало приносит несчастье; старые зеркала покупать опасно — они хранят информацию о своих бывших владельцах и навевают сны из чужой жизни и т. д. Чинара — разновидность платана. Это дерево окружено почетом с глубокой древности. Наиболее удивительна долговечность дерева — его “век” длится до 2 300 лет. В Туркменистане растет платан “Семь братьев” — в его стволы будто бы превратились семь братьев, павших в бою. Высота этого дерева 45 метров, а обхват — 26 м. В его тени могут укрыться более 1000 человек. Трудившиеся не покладая рук, но, тем не менее, бедные рыбаки и мелкие земледельцы дорожили “береговым правом”. Оно было для них поистине подарком небес, т.к. обеспечивало хоть какое-то пропитание. “Береговое право” распространялось так же на потерпевшие крушения и выброшенные на берег корабли. Для многих жителей прибрежных районов оно превращалось в непреодолимое искушение. Ведь достаточно было немного сместить буй или погасить сигнальный огонь, чтобы гонимое ветром судно село на мель. Так жители побережий превращались в грабителей и даже убийц. Так как “береговое право” разрешало считать найденное на берегу своей собственностью лишь в том случае, если после кораблекрушения никто не уцелел. И поэтому, потерпевших кораблекрушение не спасали, обрекая на верную смерть, а порой и убивали тех, кому удалось выбраться на берег. Изобретателями стульев — сидение со спинкой — считают древних египтян, но их можно было увидеть только в домах богатых людей, простые египтяне пользовались табуретом или скамьями. У греков стулья были, в основном, привилегией женщин и детей. Мужчины же предпочитали возлежать во время неторопливых бесед и пиров. В эпоху раннего Средневековья (романский стиль) все сидели на скамьях, стоящих вдоль стен или на сундуках. Только главам знатных семей полагался стул. Его высокая конструкция и высота спинки отражали знатность владельца. В эпоху поздней готики появляется много разновидностей стульев, но все они имели прямую спинку. Скамья по-прежнему была важнее стула. Долгое время стул оставался престижной вещью и главное, чего добивались мастера при его изготовлении — величественный вид. Но к XVII веку отношение к стулу изменилось. Появился девиз — “Главное — удобство”. В эпоху барокко в корпусной мебели (стулья, кресла, диваны) происходит переход от суровых прямоугольных очертаний к изогнутым линиям, мебель становится более легкой, по-домашнему уютной, спинка стула укорачивается, сидения обивают разнообразными тканями, украшают тесьмой и бахромой ( такая мебель представлена в переднем зале, в Гостиной, в Столовой). Епанча (японча) — старинный русский круглый в крое плащ из сукна или войлока, первоначально без рукавов. Епанчи с длинными прямыми рукавами вошли в моду с конца 17 века. Самое раннее упоминание о епанче встречается в “Слове о полку Игореве”. Первоначально епанчу носили как дорожную одежду или в плохую погоду. Для того чтобы она лучше защищала от дождя, её пропитывали олифой. При Петре I в моду вошла епанча шведского типа — значительно более длинная, чем русская. Сукно — шерстяная ткань полотняного переплетения с последующим валянием и отделкой. Карты: история игры. Карты имеют древнюю и весьма драматическую историю. Первое документальное упоминание о них относится к 1379 году, когда в хронике одного из итальянских городов, появилась запись: “Введена игра в карты, происходящая из страны сарацин и называемая ими “наиб”. Игра носила, по-видимому, военный характер, т. к. “наиб” по-арабски означает “капитан”, “начальник”. На арабских картах обозначались только цифры, т. к. закон Магомета запрещал изображать человеческие фигуры. Первыми украшать карты фигурами стали французы. Карты быстро распространились во всех европейских странах, на их основе появились азартные игры, и потому вскоре стали приниматься властями строгие меры для их запрещения. Несмотря на это, изобретались все новые и новые игры. В Германии появились ремесленные цеха, занимающиеся изготовлением карт, улучшались способы их выделки. В каждой германской земле существовал центр по производству карт. В XV веке во Франции установился тот тип карт, который существует и поныне. Карточная игра была известна в России еще в началеXVII века, но в “Уложении царя Алексея Михайловича” в 15 статье ХХ1 главы она приравнена к “зерни” и картежникам указано чинить “как писано о затеях”, т. е. бить кнутом и рубить им пальцы. В 1717 г. запрещается игра в карты под угрозой денежного штрафа. В 1773 году для рецедивистов-картежников определяется тюрьма, а для “подлых людей” — батог. В конце царствования Елизаветы Петровны (1761 г.) устанавливается различие между запрещенными азартными и дозволенными коммерческими играми. Слово “азартный” происходит от французского “hazard” — случай. В коммерческих играх требовался не только удачный расклад карт, но и расчет, соображение, своего рода талант — почти как в шахматах. Император Павел совершенно изгнал карточную игру. Он хотел бы вовсе истребить её, как вредное развлечение. Карточная игра преследовалась во все царствования до Александра I. Первоначально карты привозились из-за границы и стоили очень дорого. Названия мастей были переведены на русский язык, фигуры же сохранили иностранные названия При императрице Екатерине П карты начали печатать и в Петербурге. Делались они на Александровской мануфактуре, а также и частными лицами. С 1774 г. карты стали облагаться налогом и доход с них брали в пользу Воспитательного дома. С этих пор карты стали клеймиться. На русских картах ставилось клеймо в виде сирены, на заграничных — в виде дуги с рыболовным крючком. Клеймо ставилось на червонном тузе. Многие люди старались найти картам полезное применение, учитывая, что карты могут быть средством тренировки внимания, памяти и умения логически мыслить. Существует предположение, что колода — не случайный набор карт. 52 карты соответствуют числу недель в году; четыре масти — это четыре времени года; в каждой масти — 13 карт, столько же недель в каждом времени года. Сумма всех очков составляет 364, то есть число дней в году без одного. В собрании ГМЗ “Петергоф” сейчас более 40 тысяч единиц хранения или около 2 тысяч колод карт. Ломбер — homber — с испанского — человек, т . е. игра одного против нескольких противников. Изобретена была в Испании, появилась в России в XVIII веке. Указом Сената от 16 июня 1761 года признана коммерческою и разрешена. Была сомой популярной игрой в XVIII веке. Но уже в “Евгении Онегине” её называют игрой стариков, а к середине XIX в. она полностью вытесняется “Вистом” и “Проферансом”. Память об этой игре сохранилась в названии столика для игры в карты. Тарок — или “Таро” — стариннейшая игра, известная с начала проникновения карт в Европу. В России предположительно с XVII в., достоверно — с XVIII. Исчезла к началу XIX в., вытесненная более модными играми. Одной из причин её исчезновения было отсутствие колод, необходимых для этой игры, которые отличались от утвердившихся к тому времени в России стандартных французских, содержащих 52 листа — по тринадцать карт четырех мастей. В “Таро” употребляется особая колода, состоящая из 78 карт. Попав к нам из Испании или Италии, она имеет в мастях вместо привычных пик, треф, бубен и черв — “чаши”,“динарии”, “мечи” и “палицы”. Итого в четырех мастях имеется 56 карт. Кроме этого, в колоде находится 21 нумерованный “козырь” или “триумф”, имеющий свое название и номер. Триумфы разделяются по старшинству в соответствии с номером. Наконец, есть “извинительна” карта, не имеющая номера или масти — “дурак”. Игроков может быть от двух до десяти человек. Карты имеют определенные очки (поэни) от 1 до 5. До начала игры оговаривают сумму ставки на кон. Кон выставляется перед каждой подачей. После розыгрыша производится подсчет очков во взятках. Выигрывает первым набравший 50 очков. Существовало несколько вариантов игры. Шахматы — впервые появились в Индии в первых веках н.э. Существует древняя легенда, которая приписывает создание шахмат некоему брамину. За свое изобретение он попросил у раджи, который был в восторге от новой игры, незначительную, на первый взгляд, награду: столько пшеничных зерен, сколько покажет шахматная доска, если на первую клетку положить одно зерно, а потом количество зерен удваивать. Оказалось зерен потребуется 18 квинтильонов 446 квадрильонов 744 триллиона 73 биллиона 709 миллионов 551 тысяча 615. Этого количества не могло быть на всей планете. Из Индии шахматы проникли в страны Ближнего востока. В переводе с персидского языка “шах мат” — властитель умер. Цель игры — поставить мат королю противника. В Европе шахматы появились в эпоху Средневековья в Х–XI вв., после того, как арабы завоевали Испанию и Сицилию. Оттуда они постепенно проникли в Италию, Францию, Англию и др. страны, несмотря на жесточайшие гонения церкви, запрещавшие шахматы наравне с игрой в “кости” и другими “бесовскими наваждениями”. Только в конце Х1У в. католическая церковь официально сняла запрет с шахмат и эта игра была признана необходимым элементом дворянского воспитания. Первое упоминание о шахматах на Руси относится к XIII веку. Раскопки в Новгороде показывают, что в шахматы играли бояре и холопы, купцы, ремесленники и даже служители культа. Люстра — от фр. Luster — глянец, блеск; от лат. — lusto — освещать. Этот термин появился в конце ХУП века, и поначалу так называли только светильники из хрусталя. В XVIII веке в богатых домах обычно использовали восковые свечи (их делали из пчелиного воска). Они горели ярче и стоили дороже сальных, которыми пользовались люди победнее. Сальные свечи были запрещены для использования в церковном обиходе, т.к. они немилосердно коптили. Нагар, т. е. обгоревший кончик фитиля, снимали специальными щипцами и клали в лоточек. Гасили свечи гасильником — колпачком на ручке, накрывающим фитиль. Фитиль иногда называли светильней. Крестьянские избы освещались лучиной — длиной щепой, укрепленной в светце — примитивной подставке с железными рожками кверху или же плошкой — черепком или блюдцем, наполненным салом или жиром с фитилем. Шпалеры — безворсовые настенные ковры или обивочные ткани с сюжетными или пейзажными изображениями, выполненные ручным способом в технике т.н. репсового уточного переплетения нитей, когда тонкие нити утка плотно прибиваются специальным гребнем и совершенно закрывают как с лицевой стороны, так и с изнанки более толстые нити основы. Разница в толщине основных и уточных нитей дает характерную для шпалер рубчатую поверхность. Основа шпалеры делалась из неокрашенных толстых, крученых шерстяных или льняных нитей. Для утка использовались также крученые шерстяные и шелковые нити, окрашенные в разнообразные цвета. До XIXв. использовались только естественные красители — корень марены, кошениль, индиго и др. — в соединении с протравами. Для утка использовались также золотые и серебряные нити, так называемое кипрское золото, т.е. шелковые или шерстяные кручение нити, обвитые тончайшей золотой или серебряной сплющенной проволокой. Их блеск придавал шпалерам еще более парадный вид. Ткацкие станки для шпалер бывают двух типов:
Моделью для шпалер служил картон — живописный эскиз в размер ковра. Картоны часто писали известные художники, такие как — Шарль Лебрен (президент Академии живописи, “первый художник короля”), Ж. Б. Удри, Ж. Б. Жувене и др. Иногда делали копии с прославленных шедевров Рафаэля, Рубенса и т. д. Шпалеры ткались обычно для определенных соборов и замков. В парадных залах и жилых покоях они заменяли стенные росписи и придавали мрачным средневековым замкам праздничный вид, к тому же плотные, вытканные из шерсти ковры утепляли холодные каменные стены. Затем их стали использовать и для обивки мебели. Производство шпалер в Западной Европе началось в ХI–XIII веках. Хотя самыми ранними, из дошедших до нас, являются немецкие шпалеры XI–XIII вв. из церкви св. Гереона в Кёльне и из Гальберштадского собора и норвежская шпалера из Балдисхола, основными центрами производства стенных ковров в эпоху средневековья были города Франции и Фландрии. В России первые шпалеры появились лишь в XVII . Это были чаще всего дипломатические подарки. Если в XVII в. шпалеры в дворцовых интерьерах и боярских домах еще насчитывались единицами, то в XVIII в. положение изменилось. Петр I и русские вельможи начали приобретать и специально заказывать в большом количестве фламандские и французские шпалеры. 13 мая 1717 г. Петр I посетил во Франции мануфактуру Гобеленов и получил в подарок от Людовика XV первый экземпляр гобеленов серии “Сцены из Нового завета”. (Следует различать термины “гобелен” и “шпалера”. Гобеленами называются только стенные ковры, вытканные на Королевской мануфактуре Гобеленов, которая была открыта в Париже в 1664 году и действует поныне; шпалерами — аналогичные по технике стенные ковры, выполненные на других мануфактурах.) В 1719 году при участии французских мастеров открывается Казенная шпалерная мануфактура в Санкт-Петербурге, которая просуществовала до 1859 года. Иконы — от греч. Eikon — изображение, образ — живописное изображение святых в православной религии, являющееся предметом культа. Первые иконы относятся к 2-му веку, а уже к 4-му они прочно заняли свое место. За иконами также закрепилось название “образ”, т. к. изображение, согласно церковному учению, не воспроизведение, а символ, дающее духовное приобщение к оригиналу. В Византии к ХI–ХП вв. сформировался так называемый КАНОН — совокупность правил и норм, регламентировавших творчество иконописцев. Этот канон был использован и русской церковью. Икона, как правило, передает не действие, а состояние. С этим связано отсутствие движения, условность и символичность цветов, использование элементов обратной перспективы, которая как бы поворачивает пространство в обратном направлении, обращая его на персонажа. Иконы бывают оглавные (изображающие только голову), поясные, в полный рост. Есть также житийные иконы с клеймами, содержащие всю историю жизни святого или мученика за веру. Иконы вначале писали в технике энкаустики, т. е. восковыми красками, иногда в мозаике (выполняли из отдельных плотно пригнанных друг к другу разноцветных кусочков камня, дерева, смальты и т.д.) и, наконец, темперой (краской, в которой связующим веществом является яичный желток или яйцо) на доске. В иконе есть несколько слоев — основа, грунт, собственно красочный слой, защитный слой. Часто плоскостное изображение размещается в плоскостно же решенном пространстве или условно в золотом или красном фоне. Очень символично цветовое решение. В древнерусской иконе белый цвет символизирует нравственную чистоту; красный — кровь, пролитую мучениками за веру; вишневый — любовь; синий — небеса; зеленый — юность, надежду; золотой — вечность; багряный — Бога. Наиболее интересные книги, представленные в Библиотеке: “Воспитание принца”. Париж. 1670 г. “Жизнь патриарха из Константинополя”. Париж. 1667 г., “Философские рассуждения об истории, политике и литературе”. Амстердам. 1721 г., “История старого завета”. Гамбург. 1724 г., “Произведения натуральной истории и философии”. Шарль Боне. 1731 г., “Литературная история царствования Людовика XIV, посвященная королю”. Аббат Ламбер. Франция. 1751 г., “Древняя история Египта, Карфагена, Ассирии, Вавилона, Персии, Македонии и Греции”. Роллен. Франция. 1771 г., “История развития и падения Рима”. 7 томов. Адам Форгюсон. 1791 г. “Наставление отца своим детям”. Франция. 1779 г., “Церемонии и религиозные обычаи всех народов мира”. 1796г., “Ботанический и фармацевтический словарь” Франция. Первая русская газета внешне мало походила на современную. Она была невелика по размеру: чуть больше ладони взрослого человека. Печаталась на плотной шероховатой бумаге сероватого цвета старинным шрифтом — кириллицей, с мелкими неровными буквами. Рисунков в ней никаких не было. Газета рассказывала о событиях внутренней жизни и за рубежом. Немало сообщений было о русско-шведской войне. Петр сам выбирал известия для публикации в первом номере и держал в руках её корректуру. Выходили “Ведомости” нерегулярно: от одного до семидесяти номеров в год. Сохранились отдельные номера газеты, напечатанные на одной стороне листа, — их вывешивали для чтения на столбах в людных местах. Аспид — природная разновидность черного сланца, легко распадается на тонкие твердые плитки. В старину применялся для изготовления аспидных досок для письма. Флахтух — слово немецкое Flach — гладкий, ровный, плоский; Tuch — полотно. Это либо шерстяная безворсовая ткань простого полотняного переплетения, либо полушерстяная ткань с основой изо льна или хлопка. Она была намного дешевле сукна. Чаще всего её использовали для обивки стен, но из неё шили и костюмы и пальто. Очень высокая стоимость фарфора, а также огромное желание разгадать секрет его производства привело к изобретению керамической массы, получившей в России название “фаянс”. Фаянс своими внешними данными напоминал фарфор, но был гораздо дешевле в производстве. Во-первых, не нужна глина каолин, которая встречается крайне редко. Можно использовать любую другую: белую, розовую, голубую глину. Температура обжига при производстве фаянса почти в два раза меньше, поэтому не надо строить мощных печей. При производстве фаянсовых изделий используется гончарный круг. Фаянсовые изделия по своему производству и по себестоимости гораздо проще и дешевле. Главным центром фаянсового производства в конце XVIII–начале XVIII века стал голландский город Дельфт. В это время здесь существовало множество мелких фабрик, заняты производством фаянсовой посуды и предметов убранства интерьеров. Дельфтский фаянс имел черепок сероватого цвета, все же напоминал фарфор благодаря покрывавшей его белой глазури. Похожие на дорогостоящий фарфор, но значительно более дешевые фаянсовые изделия дельфтских мастеров пользовались большим спросом. При русском дворе в XVIII веке широко использовались изделия из фаянса дельфтского производства: тарелки, блюда, суповые миски, кувшины для воды и вина, а также вазы подсвечники и другие предметы. В любом дворце петровского времени, будь то Летний дворец, наши малые дворцы Монплезир и Эрмитаж, везде вы увидите изделия голландского фаянса. |
Сделано Михайловой Аней, 2005 |